primo piano




Italian Area
installazione permanente al Mart di Rovereto (polvere, colla) + ricognizione sull'arte italiana pubblicata attraverso 4 testi critici pubblicati su Artribune nel 2014. 
Mart, Rovereto.
2014
L'assenza dell'arte italiana in Italia, ma siamo sicuri che sia un problema solo italiano? 

 Se prendiamo la programmazione di una delle principali istituzioni private per l'arte contemporanea, come Hangar Bicocca, ci accorgiamo che sono del tutto assenti artisti italiani. Se guardiamo le programmazioni future dei principali musei italiani, il risultato non cambia e troviamo solo piccole comparsate di italiani. Per dire il vero all'Hangar Bicocca un italiano ci sarà, e sarà Lucio Fontana. Quindi non solo la scena internazionale sembra ignorare l'arte italiana, vista l'ultima Biennale di Venezia, ma anche il sistema dell'arte italiano ignora gli stessi artisti italiani. Non è una questione di nazionalismo anacronistico, ma un problema c'è. In Italia abbiamo un problema formativo degli artisti, soprattutto un problema di "status sociale basso" e una totale mancanza di riconoscimento del ruolo di artista.  Accademie, scuole d'arte, IUAV, Brera hanno non poche responsabilità in questo. Ed è normale che per nascondere queste inefficenze gli stessi professori di queste scuole vadano poi a sostenere ad oltranza gli studenti usciti da queste scuole, senza che il loro lavoro giustifichi questo sostegno. Abbiamo visto l'esempio dei garuttini ma più recentemente, e devo dire debolmente, coloro che sono transitati da IUAV. 
Durante l'estate 2014 presentai una ricognizione su tutti quegli artisti italiani emersi a partire dagli anni 90, un lavoro gratuito e molto lungo. Nessun critico o curatore italiano cercò di contro argomentare quella mia lettura critica che, a dire il vero, presentava una quadro qualitativo insufficiente per l'arte italiana . Purtroppo devo constatare che la mia ricognizione trova conferma nelle scelte dei musei pubblici e privati italiani. Nessuno ebbe voglia di contraddire pubblicamente la mia critica agli artisti italiani, ma molti si scandalizzarono in privato. Io credo che non solo l'arte italiana propone nel migliore dei casi solo proposte omologate alla scena internazionale, ma che in Italia alla critica e al pubblico non importi proprio nulla degli artisti contemporanei italiani. Il dibattito inferve solo quando vediamo le nomine dei direttori dei musei, semmai ancor prima che inizino a lavorare. Forse c'è una visione accessoria e decorativa dell'arte e un'attrazione sintomatica e morbosa per il potere. 
Ma gli artisti stranieri sono davvero migliori? Se guardiamo gli artisti emersi dopo il 2001, la risposta è no. Artisti acclamati come Danh Vo o Micheal E. Smith, che potremo definire mid-career, non presentano percorsi particolarmente brillanti, se non ci fosse un sistema critico e di mercato intorno a loro che li sostiene ad oltranza. 
Per questo l'Italia presenta uno scenario sintomatico e particolarmente significativo: in qualche modo succede quello che dovrebbe succedere ovunque. Ossia, un certo ruolo di artista parte già di per sé con le gambe tagliate. Le scuole d'arte e gli artisti stessi devono immaginare nuovi percorsi virtuosi e nuovi protocolli di messa in cammino. Forse non si tratta di innovare e cercare il nuovo, ma di essere consapevoli e di agire di conseguenza. 
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Serpentine Gallery

luca rossi
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"If I imagine, I see. What else do I do if I travel? Only the extreme weakness of the imagination justifies that one must move to feel"
Fernando Pessoa


"Irregularities and exceptions are often what prevents the system from crashing"
Hans Ulrich Obrist

















































If you don't understand a thing look it up on youtube
pvc letters, 1,5x1,5 m
2015 luca rossi
































Nine at the mirror with the tip of the fingers of one hand
various material
2015 luca rossi



























































10th September 2001 
installation view 
various material, stains, image var. dim., screen
2015 luca rossi












































Now where you are 
various material, stains, screen
2015 luca rossi
































The museum in our house
3D suspended letters, over 40 homemade artworks.
2015 luca rossi
Serpentine Gallery 
luca rossi
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"“Digital as a dimension of everything" was a motto coined by the Tate in 2013. If this credo hasn't come to your local art museum, it will soon. The tension/fusion between smartphone and art will clearly be one of the dominant themes of the immediate future." (Ben Davis)

Cy Twombly : (silence)
“People doesn't want to be the audience, nor the student, wants to get into the thing, they feel that there are already inside.”

Per vedere questa mostra di Luca Rossi potete stare dove siete e potete farlo quando volete. Il titolo "Scroll down" si riferisce al movimento per vedere la mostra. Un movimento da fermi, scorrendo in basso la pagina di questo blog. Viviamo un bombardamento di contenuti sotto forma di opinioni, video e immagini (Instagram, Facebook, ecc.). Provate a cliccare l'hastag #contemporaryart per rendervi conto della quantità di proposte e delle loro facilità nell'essere comunicate. Opinioni, video e immagini contribuiscono ad una sovrapproduzione indiscriminata di contenuti. Viviamo una "democrazia dei contenuti", dove il problema non è creare e comunicare il nostro contenuto, ma poter fare le differenze per trattenere qualcosa e non soffocare. Se ci tirassero 1000 cose addosso non potremo trattenere nulla. Il nostro smartphone è pieno di foto, anche molto belle, ma che difficilmente faremo stampare. Si dice che quando gli ebrei, in una situazione di emergenza, dovettero lasciare la loro terra, furono costretti a passare dal monumento al documento. 

 Ogni intervento di Luca Rossi costringe ad un "nomadismo immobile" dove l'esperienza diretta dell'opera d'arte, in senso tradizionale, è del tutto superflua. Ogni opera di Luca Rossi sembra essere un "buco nero" che ha risucchiato tutto il processo che va dall'accensione delle luci nello studio dell'artista, fino all'ultimo spettatore che esce del museo. Potremo effettivamente parlare di un'ecologia dell'arte dove il consumo di risorse è prossimo allo zero. Ogni intervento mantiene un'ambiguità tra la sua documentazione e la sua installazione reale nello spazio. Non si tratta di una scelta che vuole essere innovativa, ma di una scelta che vuole essere consapevole rispetto la nostra contemporaneità. L'opera d'arte, come ogni fatto della nostra vita, vive una fibrillazione continua tra esperienza diretta ed esperienza mediata. Anche il racconto orale, come la lettura di un giornale, possono dirsi esperienze dirette. Dove sta la verità e la dimensione più vera e ricca di significato? Il problema non è cercare l'esperienza più vera e più diretta possibile, quanto sviluppare una sensibilità critica che ci possa fornire consapevolezza rispetto a quello che vediamo. Una consapevolezza critica per fare le differenze e sviluppare la capacità di vedere, intesa nel significato più ampio di "sentire".
Bruno Munari diceva: "saper vedere per saper progettare". L'arte contemporanea può diventare una palestra dove fare fitness per "vedere bene". Non a caso il compito della critica d'arte sarebbe argomentare l'opera in sé (quello che vediamo), rispetto al contesto e alle intenzioni dell'autore. Arthur Danto sosteneva come nell'opera d'arte qualcosa sfugge all'occhio. Potremo dire che tutta l'arte è concettuale, ossia nasconde concetti e significati che sfuggono all'occhio. Ma la vita stessa è arte concettuale; in quello che vediamo c'è sempre qualcosa che sfugge all'occhio e che solitamente è molto importante. 

"Invece che subirla o resistervi per inerzia, il capitalismo globale sembra aver fatto propri i flussi, la velocità, il nomadismo? Allora dobbiamo essere ancora più mobili. Non farci costringere, obbligare, e forzare a salutare la stagnazione come un ideale. L'immaginario mondiale è dominato dalla flessibilità? Inventiamo per essa nuovi significati, inoculiamo la lunga durata e l'estrema lentezza al cuore della velocità piuttosto che opporle posture rigide e nostalgiche. La forza di questo stile di pensiero emergente risiede in protocolli di messa in cammino: si tratta di elaborare un pensiero nomade che si organizzi in termini di circuiti e sperimentazioni, e non di installazione permanente, perennizzazione, costruito. Alla precarizzazione dell'esperienza opponiamo un pensiero risolutamente precario che si inserisca e si inoculi nelle stesse reti che ci soffocano."

 Queste parole di Nicolas Bourriaud sintetizzano bene il lavoro di Luca Rossi. Spettatore, opera d'arte e autore diventano così flessibili da essere sempre nello stesso luogo e nello stesso momento. Questo nomadismo avviene senza alcun spostamento e alcuno spreco di risorse. Servirebbe non dover più andare in un luogo e rimanere solo dove "siamo". Non serve l'ennesima installazione temporanea e permanente ad alternarsi periodicamente in alcuni luoghi in un processo infinito. Abbiamo più tempo per noi, per godere di tempi di decompressione. Fare una mostra, come visitare una mostra, non costa nulla. La mostra è sempre con noi e allo stesso tempo "risolutamente precaria", perché legata ad una connessione internet. Non è forse questa la sensazione che abbiamo quando pensiamo di avere il mondo nella nostra mano, per poi ritrovarci legati ad un server e alla possibilità di ricaricare il nostro smartphone?

 Luca Rossi esprime una posizione politica ben precisa. Con la crisi della democrazie occidentali e dei sistemi di rappresentanza, è ormai chiaro come le politiche macro siano unicamente "politiche di galleggiamento" che non sono in grado di realizzare alcun cambiamento. L'unico spazio politico ancora praticabile è rappresentato dal nostro spazio locale, micro e quotidiano. La scelta che ognuno di noi può prendere in questo spazio (Luca Rossi scrisse un articolo su Artribune che sosteneva come il vero parlamento sia intorno a casa nostra) vale per la nostra vita 10-20 volte la decisione che potrebbe prendere un Capo di Stato. Al contrario ci rassicura e ci deresponsabilizza pensare che non sia così, e per questo siamo portati ad aspettare perennemente un macro-cambiamento che deve arrivare dall'alto e che immancabilmente non arriva. Ogni progetto e ogni opera, presentati da Luca Rossi a partire dal 2009,  hanno una natura prettamente "locale", perché sono sempre ed unicamente dove si trova lo spettatore. Solo in alcuni casi l'opera o il progetto conservano ricadute in altri luoghi diversi da quelli in cui si trova lo spettatore. 

 Negli interventi di Luca Rossi a partire dal 2009, come in quelli presentati presso la Serpentine Gallery, non è tanto importante "cosa" ma "come". Armati di smartphone siamo consumatori e produttori di centinaia di contenuti testuali, video e fotografici.  Viviamo in una casa con centinaia di scatole chiuse. Centinaia di "app". Il "cosa" contengono queste scatole sta diventano sempre più marginale. Il vero problema è "come" gestire questa scatole. Il problema, nell'arte come nella vita, non è tanto "cosa" troviamo nelle singole scatole,  ma è "come" gestire al meglio queste centinaia di scatole. Ogni intervento presentato presso la Serpentine Gallery mantiene uno scarto che non si gioca tanto sul "cosa" quanto sul "come". 


5 Art Pieces: 

 The text has been translated from Italian into English with Google Translate. In so doing, the text deliberately maintains a level of approximation and imperfection that allows a more engaged, interactive, and open reading of the artwork and intentions. 

 In the first piece we find an installation that had a strong impact on the architecture of the Serpentine Gallery. An installation that could also be real and they are presented some letters and numbers giants. It is a title that the smartphone arbitrary attributes to the videos that are created by users and immediately loaded on You Tube. This way you create an archive in constant growth and change. Since the user chooses not to give a specific title to the video, it is considered marginal and unimportant videos that are posted on You Tube for various reasons. We can talk of an "archive the unconscious". These videos are actually subtly poetic, for their minor remain hidden on the network and register very few views. If we do not understand something, we are invited to find this thing on YouTube, and in this way the installation triggers a chance to see many videos that open to a look varied and unexpected reality. In this way suggests a criterion, once more a "how to", to order the bombing of the content to which we are subjected.

 The second contribution comes from the fingertips actually passing on the tactile mouse of a laptop of new generation. What we might call "sculpture" it looks like a number "9" in the mirror. Once again it is evident that the important thing is not "what" but "how." The project maintains a lightness that is manifested in a spatial and temporal coincidence between viewer, author and art work. The work actually exists only in the place in which we find ourselves. That is the only "political" place still avaible and fit for use.

 The third intervention shooting a recurring theme in the work of Luca Rossi. On September 11, it can be considered a symbolic moment and not only in terms of global and political. The attack of September 11, 2001 represents a peak formal respect or about the art of the twentieth century and in particular of the nineties. Just think of the preparation and action of terrorists, formal effect, the conspiracy theories related attack, etc. etc.. After this symbolic moment provocative art of the nineties, it seems weaker, and at the same time does not seem to be emerging artists that can have a significant impact. Luca Rossi decides to present the skyline of New York before September 11, naming the work "10 September 2001". Everything looks quiet. People's lives seem quiet. As if to say that the problem, the media and political event is not played on September 11, 2001, but at any time in the management of our daily lives. The title provides a gap which overturns and fully recalibrates the importance of the media event. 

 We have the fourth intervention. In this case it is stopped at a time when the solar rays, meeting the windows of the gallery, form bright paintings on the walls. In the absence of a argued and shared critical sensibility the only discriminator to differentiate the artworks seem to be public relations. That is, if today we went to the Serpentine Gallery and shoot in every room a lot of garbage collected from the city of London, this would be an intervention legitimate for the international art world would watch carefully. Perhaps Frieze good gallery also be able to sell, without major problems, that same garbage. It could be an intervention in between Maurizio Cattelan and Santiago Sierra. If Mr Rossi or Mr. Smith did the same thing in a small town near Rome, the exhibition does not would receive the same success. If we consider the sun's rays as public relations, when they hit the gallery artwork appears, or a standard (as when the sun form figures of light in a room). The work of art does not really exist; at night for example, the room is empty. How to bring up the work of art? If we want to free ourselves from the "dictatorship of public relations" and bring up the work of art, you have to find the reasons and the urgency of the artwork. Otherwise we will have only a standard supported by "best" public relations.
In this piece the size macro impact and create an effect in the micro size of the gallery. The passing of the seasons and the sun's movement, constantly changing artwork, as something perpetually vital, but is often absent, creating, once again, an ambiguity between full and empty.

 In the fifth and last piece what appears to be a blank billboard, saturates the space. As in the second intervention at the Serpentine Gallery, this choice might be motivated by the desire to cancel the artworks but also to represent a formal overload, as if, ironically, we could bring all artworks transited into a museum, into museum itself and at the same time. Now if we took all the artworks transited in the history of the Serpentine Gallery, at the Serpentine Gallery we will have a full that would not let us see anything. A vacuum masked by a full mask. What remains of the many exhibitions and biennials scattered around the world? This rectangle, which almost fill the entire image, is instead remaining as empty. Suddenly this "full / empty" becomes immediately obvious the stains that are present on the screen of our computer. 



-----------------------------------------------------ENGLISH VERSION

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"“Digital as a dimension of everything" was a motto coined by the Tate in 2013. If this credo hasn't come to your local art museum, it will soon. The tension/fusion between smartphone and art will clearly be one of the dominant themes of the immediate future." (Ben Davis)



Cy Twombly : (silence)
“People doesn't want to be the audience, nor the student, wants to get into the thing, they feel that there are already inside.”
The text has been translated from Italian into English with Google Translate. In so doing, the text deliberately maintains a level of approximation and imperfection that allows a more engaged, interactive, and open reading of the artwork and intentions. 


To see this exhibition of Luca Rossi you can stay where you are, and you can do it whenever you want. The title "Scroll down" refers to the movement to see the exhibition. A movement stationary, scrolling down the page of this blog. We live a bombardment of content in the form of opinions, video and pictures (Instagram, Facebook, etc.). Try to click #contemporaryart to realize the amount of proposals and how are easy to be communicated. Opinions, videos and images contribute to an indiscriminate urge to document. We live in a "democracy of content", where the problem is not to create and communicate our content, but we can do something to keep the differences and not choke. If shooting 1000 things on him, I can't hold anything back. Our smartphone is full of photos, also very nice, but that is unlikely we will print. It is said that when the Jews, in an emergency situation, they had to leave their land, were forced to move from the monument to the document.

Any intervention by Luca Rossi forces to a "immobile nomadism" where the direct experience of the artwork in the traditional sense, is entirely superfluous. Each piece of Luca Rossi seems to be a "black hole" that has sucked the whole process that goes from power the lights in the artist studio, until the last spectator coming out of the museum. We can actually speak of an ecology art where resource consumption is close to zero. Each intervention maintained ambiguity between its documentation and its installation in real space. This is not a choice we want to be innovative, but a choice that wants to be aware than our contemporary. The work of art, as every fact of our lives, lives fibrillation continues between direct experience and experience mediated. The oral history, such as reading a newspaper, can be said "direct experiences". Where is the truth and the real dimension and meaningful? The problem is not to try the experience more real and direct as possible, but how to develop a critical sensibility that we may provide awareness about what we see. A critical awareness to make the differences and develop the ability to see, understood in the broadest sense of "feel".

Bruno Munari said, "knowing how to see to know how to plan." Contemporary art can become a gym where fitness to"see clearly". No coincidence that the task of art criticism would argue the work itself (what we see), compared to the context and intention. Arthur Danto argued in the artwork you have something escaping the eye. We can say that all art is conceptual, that hides concepts and meanings that escape from eye. But life itself is conceptual art; in what we see there is always something that escapes from the eye, which is usually very important."Rather than suffering or resist it by inertia, global capitalism seems to have made own flows, speed, nomadism? So we have to be even more mobile. Do not force us, and force us to greet the stagnation as an ideal. The imaginary world is dominated by flexibility? We invent new meanings for it, inoculate the long term and the very slow heart rate rather than oppose them rigid postures and nostalgic. The strength of this style of thought lies in emerging protocols commissioning way: it is to develop a nomadic thought that organizes itself in terms of circuits and experiments, and no permanent installation. We have to oppose to the precarious experience a resolutely precarious thought that fits and infiltrates in the same networks that suffocate us." 

These words of Nicolas Bourriaud summarizes well the work of Luca Rossi. Spectator, artwork and author become so flexible as to be always in the same place and same time. This nomadism takes place without any movement and no waste of resources. We shouldn't longer have to go into a place and just stay where "we are". No need for temporary and permanent installations that alternate periodically in some places in an infinite process. We have more time for us to enjoy decompression times. Do a show, as going to an exhibition, doesn't cost anything. The exhibition is always with us and at the same time "resolutely precarious", because it is linked to an internet connection. Is not this the feeling we have when we think we have the world in our hands, and then end up tied to a server and the ability to recharge our smartphone?

Luca Rossi expressed a political position very clear. With the crisis of the Western democracies and systems of representation, it is now clear that the macro policies are only "policies flotation" that are not able to make any change. The only avaible political space still is represented by our local space, and micro daily. The choice that each of us can take in this space (Luca Rossi wrote an article on Artribune argued that the true parliament is around our house) applies to our lives 10 to 20 times the decision could take by a Head of State. Instead it reassures us and we think it's not so removes responsibility, and for this we are led to expect perpetually a macro-change that has to come from above and which inevitably never arrives. Each project and each work, presented by Luca Rossi since 2009, have a purely "local" because they are always and only where it is the viewer. Only in some cases the artwork or project retain repercussions in other places different from those in which the viewer is located.

Interventions of Luca Rossi since 2009, as those presented at the Serpentine Gallery, is not as important "what" but "how". Armed with smartphones are consuming and producing hundreds of texts, video and photo. We live in a house with hundreds of closed boxes. Hundreds of "app". The "thing" contained in these boxes are becoming increasingly marginal. The real problem is "how to" manage this boxes. The problem, in art as in life, is not so much "what" we find in individual boxes, but "how" to better manage these hundreds of boxes. Each intervention presented at the Serpentine Gallery maintains a gap that is not played much on the "what" but on the "how".
5 Art Pieces: 

 In the first piece we find an installation that had a strong impact on the architecture of the Serpentine Gallery. An installation that could also be real and they are presented some letters and numbers giants. It is a title that the smartphone arbitrary attributes to the videos that are created by users and immediately loaded on You Tube. This way you create an archive in constant growth and change. Since the user chooses not to give a specific title to the video, it is considered marginal and unimportant videos that are posted on You Tube for various reasons. We can talk of an "archive the unconscious". These videos are actually subtly poetic, for their minor remain hidden on the network and register very few views. If we do not understand something, we are invited to find this thing on YouTube, and in this way the installation triggers a chance to see many videos that open to a look varied and unexpected reality. In this way suggests a criterion, once more a "how to", to order the bombing of the content to which we are subjected.

 The second contribution comes from the fingertips actually passing on the tactile mouse of a laptop of new generation. What we might call "sculpture" it looks like a number "9" in the mirror. Once again it is evident that the important thing is not "what" but "how." The project maintains a lightness that is manifested in a spatial and temporal coincidence between viewer, author and art work. The work actually exists only in the place in which we find ourselves. That is the only "political" place still avaible and fit for use.

 The third intervention shooting a recurring theme in the work of Luca Rossi. On September 11, it can be considered a symbolic moment and not only in terms of global and political. The attack of September 11, 2001 represents a peak formal respect or about the art of the twentieth century and in particular of the nineties. Just think of the preparation and action of terrorists, formal effect, the conspiracy theories related attack, etc. etc.. After this symbolic moment provocative art of the nineties, it seems weaker, and at the same time does not seem to be emerging artists that can have a significant impact. Luca Rossi decides to present the skyline of New York before September 11, naming the work "10 September 2001". Everything looks quiet. People's lives seem quiet. As if to say that the problem, the media and political event is not played on September 11, 2001, but at any time in the management of our daily lives. The title provides a gap which overturns and fully recalibrates the importance of the media event. In this case, the skyline of New York is presented through a grid of the works that have previously had Wolfgang Tillmans at the Serpentine Gallery.

 We have the fourth intervention. In this case it is stopped at a time when the solar rays, meeting the windows of the gallery, form bright paintings on the walls. In the absence of a argued and shared critical sensibility the only discriminator to differentiate the artworks seem to be public relations. That is, if today we went to the Serpentine Gallery and shoot in every room a lot of garbage collected from the city of London, this would be an intervention legitimate for the international art world would watch carefully. Perhaps Frieze good gallery also be able to sell, without major problems, that same garbage. It could be an intervention in between Maurizio Cattelan and Santiago Sierra. If Mr Rossi or Mr. Smith did the same thing in a small town near Rome, the exhibition does not would receive the same success. If we consider the sun's rays as public relations, when they hit the gallery artwork appears, or a standard (as when the sun form figures of light in a room). The work of art does not really exist; at night for example, the room is empty. How to bring up the work of art? If we want to free ourselves from the "dictatorship of public relations" and bring up the work of art, you have to find the reasons and the urgency of the artwork. Otherwise we will have only a standard supported by "best" public relations.
In this piece the size macro impact and create an effect in the micro size of the gallery. The passing of the seasons and the sun's movement, constantly changing artwork, as something perpetually vital, but is often absent, creating, once again, an ambiguity between full and empty.

 In the fifth and last piece what appears to be a blank billboard, saturates the space. As in the second intervention at the Serpentine Gallery, this choice might be motivated by the desire to cancel the artworks but also to represent a formal overload, as if, ironically, we could bring all artworks transited into a museum, into museum itself and at the same time. Now if we took all the artworks transited in the history of the Serpentine Gallery, at the Serpentine Gallery we will have a full that would not let us see anything. A vacuum masked by a full mask. What remains of the many exhibitions and biennials scattered around the world? This rectangle, which almost fill the entire image, is instead remaining as empty. Suddenly this "full / empty" becomes immediately obvious the stains that are present on the screen of our computer. 
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---> Il NUOVO MICHELANGELO







Intervista a Luca Rossi in occasione della mostra presso la Serpentine Gallery di Londra


MG: In questi sei anni il tuo lavoro ha assecondato la tendenza di vedere le mostre attraverso le foto di documentazione. Se vogliamo, il contrario di Tino Sehgal che accetta per le sue opere solo l'esperienza diretta.Nel tuo lavoro mi ha sempre colpito il fatto di eliminare la mostra come rito collettivo da tenersi in un determinato luogo. Molti amici curatori non possono accettare questo, come se il contenuto di ogni opera fosse il rito collettivo e mondano della mostra. 

LR: Mi rendo conto che questa scelta sia spiazzante. Per vedere la mostra puoi stare dove ti trovi, semmai solo. Pensandoci bene, il mio lavoro riguarda molto la solitudine, prima ancora di una riflessione tra esperienza diretta ed esperienza mediata. 

MG: Elimini anche qualcosa da vendere, cosa ancora più inaccettabile per il mercato e il sistema dell'arte. 

LR: Alcuni progetti comprendono "oggetti" che però potrei definire marginali. Per esorcizzare questa cosa ho ideato MyDuchamp. Come se un bambino giocasse con i codici dell'arte moderna che nel mercato vanno per la maggiore. Autentica "ikea evoluta consapevole". 

MG: Mi ha colpito moltissimo la tua scultura fatta con i polpastrelli delle dita all'interno della Sepentine Gallery di Londra. Mi sembra ci sia una leggerezza che contrasta con il risultato. In fondo, di cosa abbiamo bisogno? Il messaggio più bello è che quella scultura è sempre con noi. Non c'è bisogno di costosi trasporti e assicurazioni: non c'è bisogno di possederla. Nelle relazioni affettive pensiamo di possedere l'altra persona. Abbiamo perso il concetto di amore come "vita", in favore di amore come "possesso". 

LR: Vorrei fosse chiaro che questa "poesia" è profondamente "politica". Siamo convinti che esista una dimensione macro e una dimensione micro dell'esistenza. Con il risultato che la dimensione macro viene abbandonata, ma ci si continua a lamentare. Ecco, esiste solo una dimensione micro ed effetti che potremo chiamare macro. Quella scultura agisce in quella dimensione, e se lo iniziamo a vivere e pensare le cose macro cambieranno in meglio. Se non capita significa che non lo vogliamo. 

MG: L'installazione sulla vela delle Serpentine ci porta ad una selezione video del tutto unica e particolare. Potrei dire laterale. Ancora una volta siamo invitati ad un percorso privato, libero ma con un criterio allo stesso tempo. 

LR: Viviamo una sovrapproduzione continua di contenuti dove siamo tutti consumatori e produttori. Il punto non è più produrre, anche l'ennesima "opera d'arte", quando riuscire a fare le differenze tra le cose prodotte e che produciamo. Mi piace che anche questo progetto alla Serpentine conservi tutte le anime del blog, oltre a quella progettuale: critica e divulgazione. Ogni scelta presuppone l'aver scartato altre scelte. 

MG: Quindi il messaggio è: non abbiamo bisogno di altre opere d'arte e di altri artisti? Curatori, direttori di musei saranno contenti...

LR: No, quello non è il messaggio. Primo, oggi più di ieri tutti sono artisti. Il punto è stimolare una sensibilità per fare le differenze tra le cose che incontriamo nel museo, ma soprattutto fuori dal museo. L'arte contemporanea è solo una palestra-laboratorio dove sperimentare e allenare questa sensibilità. 
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notes (2009-2015)






Guardare non è più un atto innocente
azione pubblica, sedie.
luca rossi, 2015.





notes 2009-2015
-where you are-
-indefinitiley-


  

"“Digital as a dimension of everything" was a motto coined by the Tate in 2013. If this credo hasn't come to your local art museum, it will soon. The tension/fusion between smartphone and art will clearly be one of the dominant themes of the immediate future." (Ben Davis)


The text has been translated from Italian into English with Google Translate. In so doing, the text deliberately maintains a level of approximation and imperfection that allows a more engaged, interactive, and open reading of the artwork and intentions. 
When the Jews had to leave their land, they passed by the monument to the document. Tino Sehgal would have been in trouble. Of course they also had the oral dimension, and then Tino Sehgal would have breathed a sigh of relief.

We live in a technological darkages, where a development of the media and technology corresponds to a kind of global crisis. Getting around is dangerous. "Digital documentation" seems easy refuge. In selfie the author-artist becomes first viewer and content. As if we continually have many artworks as there are people in the world. The crucial problem is not to think and produce the content, but the critical sensitivity to make the differences between the content.

The blog whitehouse since 2009 has as its objective the development of a critical sensibility, through three ways: an unconventional projects, a critical work on and off the blog and three projects related to the dissemination and art education. 

"notes 2009-2015" is a new exhibition with many pieces that are always where you are you see them. It is an overview that examines the projects submitted between 2009 and 2015. We have deliberately taken titles and captions. This is to create new and unexpected correlations. For each image, however, we chose a phrase, a kind of fact. A kind of note.










After the post-production we have overproduction. After 2001 artists not only offer post-production, but also a kind of archeology. Hence my article on the "Young Indiana Jones". The crisis of modernity is characterized by two elements:
-overproduction of content for which the crucial problem is no longer create the content but do the differences between the content.
- Not ability and willingness to make the differences between the content. And so asking what value can have a given artwork (content) for our lives.
Young Indiana Jones (as Dan Vo for example) try to solve the contemporary world in this way:
- Take objects and references of the past to charge the content/artworks with secure value. Propose a standard that later will be further aided by public relations.
- Mask the crisis of content and critical crisis with new content, participating in the overproduction.





















































At the Abbey of Senanque in France perhaps there is still a few steps before the casket empty Ticket. Above this shrine were holding times of the ticket that I have moved. Around the shrine we have a walt disney tourist. Obsessively photographing the shrine is like taking a positive attack, aimed to recover a sense of the place. Some tourists have started taking pictures with me the casket empty, while the monks have refused my proposal to hold the empty casket exposed in an official way and permanent. Religion is not asked to believe in a vacuum? We do not live an overproduction of content that the end is a vacuum? Enter a vacuum means having a new content? Tourists slowed and they rubbed their eyes. The case contained a small universe and a tiny reproduction (random) of the tao.
if public relations are rays that encounter a place, here is that the projections of the sun in a room are a work of art. Any standard that is loaded with value through public relations. Yuri Ancarani proposed a video that seems a kind of documentary that we can see on some satellite channels specialized. The video was produced by Maurizio Cattelan and immediately supported by others.It would be seen the same video if we had not had the public relations to support it? We are still able to look critically the reality? What differences between a video documentary shot in difficult and extreme conditions in the middle of the Savana and the video of Yuri Ancarani?





























if you do not understand a thing look for it on youtube. This allows us to have a series of videos, read content, continuously growing and updated. A system of infinite growth of artworks. IMG 3733 is in fact a security standard that provides iPhone arbitrarily to video. Videos which are then put on you tube automatically. Usually this is video evidence of the users. Marginal situations and surreal.

The work shown in a temporary headquarters of gellaria zero milan, sees as protagonists - like contents- spots we have on our screen. The artwork is always where we are, the spots are in which rectangle hat tlooks like a formal overload.

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Flash Art Italia///agosto-settembre 2009

















































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